En realidad Elsa y Elmar no es un dúo, es el nombre del proyecto musical de Elsa Carvajal, una cantante colombiana (1993). Se presenta como Elsa y Elmar por el propio juego de palabras, un juego de nombres que lleva implícito una invitación a descubrir la verdad que se esconde detrás de su voz. Esta colombiana que ha pasado los últimos años estudiando música en Boston y realizando las primeras giras de su carrera, busca la inspiración en su propio interior y en esa naturaleza que se cuela en sus canciones: el viento, la luna, la noche… es por ello que su música es definida como “Pop Espiritual”, cuyos estilos pasan por el Synth Pop, Folk e Indie. Los temas de las canciones varían desde sus miedos y dudas infantiles hasta preguntas existenciales que quizás todxs en algún momento nos hacemos. Su álbum debut, Rey, fue lanzado en 2015 y desde entonces se encuentra de gira por el continente americano, tocando en su natal Colombia y en países como México y Estados Unidos.

Texto extraída del medio online Buena Música | Diseño inspirado en el genial blog sobre música Mi canción de hoy

Álex Ferreira nació en República Dominicana en 1983, pero vivió su infancia y adolescencia, entre Nueva York, Miami y Santo Domingo. Empezó tocando la guitarra y escribiendo canciones a los 16 años de edad. Un par de años después empezó a tocar habitualmente por los escenarios y teatros de la Zona Colonial de la ciudad de Santo Domingo compartiendo escenario con grandes músicos de su tierra. En ese época grabó sus primeras maquetas las cuales le dieron rápidamente a conocer gracias a la gran difusión que recibieron por las emisoras especializadas de su país, llegando a los primeros lugares en las listas. 

En el 2005 se trasladó a vivir a España. Aquí, formó su propia banda e intentó abrirse camino en la escena musical madrileña. Tras tres Eps con buena acogida en el mercado, en enero de 2010, publicó su primer disco de larga duración, Un domingo cualquiera, que tuvo una gran aceptación, nombrado por Radio 3 como uno de los discos más esperados del año. Después de llevar su música por otros países como México o EEUU, Ferreira publicó finalmente su segundo largo «El Afán» en octubre del 2012, donde experimenta con nuevos ritmos y sonidos. En 2015 publicó su siguiente álbum «Cinema Tropical» y a finales de este año se espera su último álbum que llevará por ´titulo «Canapé». También lidera un grupo que lleva por nombre «Alex Ferreira y el frente caribe» con el que explora ritmos latinos evocando a la música que escuchó durante toda su infancia en la República Dominicana.

Ferreira ha colaborado y compartido escenario con artistas de la talla de Fito Páez, Jorge Drexler, Iván Ferreiro, Russian Red, Mäbu, Lori Meyers, Ximena Sariñana, Natalia Lafourcade, Gaby Moreno, Lisandro Aristimuño o Xoel López entre muchos.

Información extraída de Wikipedia.

Las Taradas es un orquesta de chicas argentinas que rememora canciones poco conocidas de los 40s y 50s, conservando su sonoridad original a la que agregan toques propios y contemporáneos. Desde el bolero, el swing y el cha cha cha, pasando por las canciones napolitanas, la cumbia colombiana y las rancheras mexicanas, se apropian del humor presente en la música de aquellos años para armar un repertorio que viaja por diferentes regiones y rescata diversos intérpretes que van desde Johnny Cash, Mina Mazzini y Agustín Lara, hasta Elvis Presley, Los Machucambos, Carmen Miranda o como en este caso Elena Madera, entre otros.

Su historia se remonta a inicios de 2010 cuando Luisa Malatesta (Paula Maffia) y Lucia de Paco (Lucy Patané) decidieron materializar una vieja idea: reunir un grupo de mujeres músicas que pudieran recuperar del olvido melodías de antaño. Uniendo su ukelele, voz y guitarra al contrabajo de Encarnación de los Males (Lu Martinez), al clarinete de Cheetara Rodriguez (Carla Branchini), la voz y trompeta de Mari Carmen Montenegro (Mel Muñiz), el violín de Exaltación de la Cruz (Rosario Baeza) y la percusión de la Tía Nidia López do Pandeiro (Nati Gavazzo), iniciaron un recorrido que las ha llevado a diversos escenarios de Argentina y de Sudamérica. 

Durante un tiempo se dice que fue un misterio: se hablaba de una chiquilla de Barcelona, sin padrinos ni antecedentes familiares en la cosa del cante, que se subía a los tablaos y cantaba flamenco como los ángeles.

Los ángeles,  es el título del debut discográfico en el que trabaja esta artista de 23 años de nombre Rosalía junto a Raül Fernández “Refree” a la guitarra, y uno de los productores más importantes del panorama que ha trabajado con Silvia Pérez Cruz, Las Migas, Rocío Márquez o Christina Rosenvinge.

Con la muerte como temática central del álbum ambos artistas, partiendo del flamenco, han trazado nuevos caminos fusionando la novedad y la experimentación para volver a lo antiguo, a lo primario del flamenco según catalogan los expertos en la música. Dicen quien la han entrevistado que nada más escucharla hablar uno se da cuenta de lo peculiar que resulta su voz, de lo singular de su acento y de su impetuosa forma de expresarse entre gestos.

Rosalía se dio a conocer más popularmente por sus colaboraciones con La Fura dels Baus o el pasado verano junto al rapero C. Tangana, pero más allá de sus diversos estilos musicales muchos han destacado su faceta de cantaora bajo su origen catalán. Hecho que a ella, según muestra en entrevistas, le resulta tan gracioso como turbador que, a día de hoy, se siga mirando el arte como una cuestión territorial, más que personal. «El flamenco, al final, no es una cuestión racial, sino una música que tiene una carga emocional tan grande que conecta con gente de cualquier parte del mundo».

Texto extraída de El Diario.es / Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy

Devendra Banhart es un compositor y cantante de música «altamente difícil de catalogar» puesto que lo sitúan en estilos que pasan de fusiones a reducciones de Folk, Bluegrass, Rock psicodélico, Latina, LO-FI, y la llamada reactualización Trovadoresca. La wikipedia define su música como simples melodías de guitarra con un acompañamiento mínimo de otros instrumentos como parte de su sello de identidad. Sus letras son generalmente surrealistas y naturalistas y existen en su lírica un sinnúmero de referencias hacia escenas bucólicas, mantras y escenas populares. Todas depuradas por una ambigüedad, que va de la ingenuidad neohippie a la ironía postmoderna en la que se le sitúa.

Devendra nació en Houston (Texas) en 1981 pero su infancia la pasó en Venezuela, país de origen de su madre. Allí conoció la cultura, el idioma y nuevos estilos musicales; un sin fín de influencias con tintes latinoamericanos de los que da muestra a través de su música poco clasificable. 

A los 14 años se mudó a Los Ángeles con su familia y a los 19 años, decepcionado de sus obligaciones académicas y las restricciones del medio artístico, abandonó la escuela de arte, cogió las maletas y se fue a tocar a las calles de París. Tocó en bares de mala muerte, se sometió a la soledad, fue vapuleado por la realidad y hasta estuvo al borde de quedarse sin donde dormir; un cóctel que lo puso al borde de la renuncia. Quien lo detuvo fue Vashti Bunyan, cantautora británica de folk que dejó su carrera en los ‘60 para vivir como una hippie, cuyas canciones le hacían sentir protegido. Por eso conversó con ella luego de un primer contacto epistolar que incluyó dos canciones, y ella lo impulsó con un “sigue adelante”. 

Sus primeras grabaciones fueron hechas en un equipo grabador de cuatro pistas (four-tracks) y un contestador telefónico. En otoño del mismo año volvió a Estados Unidos comenzando su deambular artístico. Fue en esa época que se embarcó en su primera grabación, The Charles C. Leary, que comenzó a vender a un dólar en sus shows en directo. Uno de los compradores fue Siobhan Duffy, esposa de Michael Gira, músico y dueño de la disquera Young God Records, quien sentó las bases para su primer contrato discográfico con el que publicó sus primeros discos Oh Me Oh My, The Black Babies, Rejoicing in the Hands, Niño Rojo y Cripple Crow; de menos a más, de la solitaria guitarra a la banda completa, del trabajo doméstico y rudimentario al de estudio que consiguió meterlo en las listas Billboard y darle proyección internacional. De ahí hasta nuestros días.

Entre las curiosidades de este artista, más allá de su propia música, destacan desde su nombre Devendra, que encuentra su origen en la mitología hindú que significa Indra, el dios del cielo, relámpago, trueno y lluvia. Como su segundo nombre Obie, como Wan Kenobi, el maestro jedi espectral que sus padres vieron en el cine cuando  se estrenó La guerra de las Galaxias:El Imperio Contraataca apenas 13 días antes de que él naciera el 30 de mayo de 1981. Lleva tatuada la saga de George Lucas en sí mismo. 

Entre otras muchas curiosidades se citan su particular necesidad inicial de que no podía terminar una canción si no la dibujaba. Su necesidad de darle una forma al sonido se combinaba con el deseo de dejar huella, que su música no fuera algo solo para consumir. Nunca ha dejado de pintar, y sus trabajos pictóricos —siempre entre lo naif, lo surrealista y la psicodelia— no solo identifican sus discos y llenan libros, sino que también han sido expuestos en museos como el SFMoMA, en la feria de arte contemporáneo Art Basel, en ARCO, e incluso junto a Yoko Ono en “Water Piece”.

Texto extraída del medio online cultural  cultural El estímulo y Wikipedia  |  Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy.

Chicha libre, pese a lo que su sonido amazónico pueda sugerir, es en realidad una banda originaria de Brooklyn. Integrada por músicoxs de Francia, Estados Unidos, Venezuela y México.

Detrás de esta curiosa fusión de nacionalidades y ritmos se encuentra el melómano Olivier Conan (47), quien durante un viaje de vacaciones a Perú en 2005, el músico franco-neoyorquino (creció en París, pero vive en Estados Unidos desde 1984) se dedicó a cazar viejos discos de música criolla.  Por ese entonces Conan repartía su tiempo musical entre Bébé Eiffel (una banda de rock en francés) y Las Rubias del Norte (un grupo de versiones atemporales de canciones latinoamericanas), y su tiempo de empresario entre el bar Barbès de Brooklyn (del cual es copropietario junto a Vincent Douglas, también de Bébé Eiffel y de Chicha Libre) y el sello Barbès, creado para editar a los grupos que se presentaban en la pequeña sala del fondo del bar y cuyo catálogo constaba por entonces de un par de discos.

Pero todo estaba por cambiar. En Perú descubrió un sonido nuevo en las radios portátiles de los vendedores callejeros y los discos de Juaneco y su Combo y Los Mirlos que le mostraban los coleccionistas. Era chicha, la variante de la cCumbia creada a finales de los sesenta en el Amazonas peruano, combinando el género afrocolombiano con rock, guitarras surf, psicodelia y melodías andinas. Un mundo perdido de discos por descubrir.

De vuelta en Brooklyn con su tesoro de discos, Conan inició el largo camino de lanzar una compilación de chicha a través de su sello (esa música nunca había sido editada fuera de Perú y muchos de los sellos originales ya no existían). También le mostró los discos a su socio musical y financiero. Ambos coincidieron en que tenían que tratar de reproducir esos extraños sonidos cuanto antes.

Chicha Libre comenzó como algo informal: amigos músicos que se juntaban a aprender un estilo creado a 5.000 kilómetros de ahí. Pero un par de años después, para cuando Conan había completado la casi imposible tarea de conseguir a distancia los permisos para publicar las 17 canciones de The Roots of Chicha, Chicha Libre ya era una banda real,  y estaba lista para grabar su primer disco.

El impacto de The Roots of Chicha, publicado en septiembre de 2007, sorprendió a todos, pero a nadie más que al propio Conan. Por el solo hecho de que la compilación hubiese sido publicada en Nueva York y recibido buenas críticas, los viejos músicos de chicha pasaron de la noche a la mañana a ser mirados con otros ojos: de exponentes de un género asociado a las clases bajas a embajadores de lo moderno.

“Cuando vamos a Bogotá o Buenos Aires, no nos tratan como gringos”, señala Conan en una mesa de su bar. “Nos tratan como una de las nuevas bandas de cumbia. Los únicos que nos tratan como gringos son los críticos británicos. ¡Que se jodan! Ya sabes, ese tipo de gente que piensa que somos demasiado blancos para tocar cumbia”, agrega, mientras el otro líder creativo de la banda, el tecladista Joshua Camp, asiente con una sonrisa. (Chicha Libre, que también integran el guitarrista Vincent Douglas, el bajista Nick Cudahy y los percusionistas Karina Colis y Neil Ochoa es, de hecho, mucho más que una “banda de gringos”: como hace notar uno de sus comunicados de prensa, el que conste de dos franceses, dos estadounidenses, una mexicana y un venezolano decididos a tocar cumbia parece más bien el inicio de un chiste que una historia de colonización musical).

Texto extraída del medio online cultural Quépasa y RollingStone / Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy

Sílvia Pérez Cruz (Palafrugell, Girona, 1983) es una joven cantante catalana que, según en qué fase de su carrera se la descubra, aparecerá como una virtuosa del flamenco, del jazz, del fado, de la música popular o de la música clásica. Si se la comenzó escuchando con el grupo musical flamenco Las Migas, seguro que se piensa que Sílvia Perez Cruz es cantaora. Quizás en algún momento, y cambiando de registro, se creyó que Silvia tenía raíces portuguesas, pero si se topó con ella por primera en la película Cerca de tu casa, posiblemente sorprenda saber que Silvia Pérez Cruz no es actriz. Una artista polifacética donde las haya. 

Texto extraída del medio online cultural  cultural Jot Down y Adinata / Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy

La historia de la banda peruana Kanaku y El Tigre se remonta a la época de colegio de dos de sus integrantes Bruno Bellatín (Kanaku) y Nicolás Saba (El Tigre). Después de un tiempo distanciados se volvieron a unir con más madurez para crear este proyecto que nació como un dúo y que terminó creciendo a una banda conformada, aparte de los ya mencionados, por Marcial Rey, Manuel Loli, David Chang, Fernando González y Noel Marambio.

Tomando como punto inicial para sus creaciones musicales el folk en su forma más acústica, también se torna experimental, psicodélica e imposible de clasificar si se ahonda en cada una de sus canciones. Entre las particularidades de la banda destaca el incluir percusiones de cualquier cosa que haga ruido (botellas, mesas, serruchos, juguetes, entre otros singulares) al igual que rasaltan en las letras las historias personales que mencionan lugares del Perú.

Desde su inicios, en el 2010, Kanaku y El Tigre poseen dos discos; el disco debut se tituló Caracoles (2010, Ombligo) y es de éste del que se extrae esta canción “Bicicleta“. El segundo disco se lanzó el año pasado y lleva por título Quema, Quema, Quema (2015, Tiger’s Mil). En este último, más eléctrico que el anterior, trae colaboraciones de la actriz española Leonor Watling (Marlango) y también de los músicos peruanos Pamela Rodríguez y Sergio Saba (Cecimonster Vs. Donka). 

Texto extraída del medio online cultural Indiehoy | Diseño inspirado en el genial blog sobre música Mi canción de hoy