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LLuvia
MÚSICA
Elsa y Elmar – Planeando el Tiempo
Elsa y Elmar – Planeando el Tiempo
A Elsa y El Mar la escuché por primera vez un día cualquiera por casualidad, no sé ni cuando ni dónde pero con sus dulces angustias y electrónicas nostalgias se me quedó clavada en la patata y retumbando en los oídos.
ORIGEN CANCIÓN
Cuando alguien te gusta y el panorama no está del todo claro que sea reciproco, es normal que la patata y la cabeza se obsesionen con buscar esa respuesta. Usualmente, la idea de saber si le gustas o no a la otra persona se convierte en un pequeño gran quebradero de cabeza. El mayor problema de todo ese embrollo amoroso es que alguien tiene que dar el primer paso. Y cuando no es la contraparte quien avienta la indirecta de un posible nuevo romance, no queda más que soltar la verdad y hacer una «Robertada«, aunque eso se sienta peor que aventarte en caída libre sin paracaídas de por medio. «Planeando el tiempo’ es la canción de un stalker. Planeando y planeando el momento perfecto, y luego no haciendo nada. Casi a punto de explotar de tanto planear. Un personaje que quiere decirlo, y luego se arrepiente. Que vive encerrado en sí mismo, y que no puede evitar escuchar las voces interiores que la confunden», así soy yo cuando alguien me gusta dijo en una entrevista presentando la canción la cantante y compositora de la misma Elsa y Elmar.
Texto extraída del medio online cultural Noisey
ARTISTA
En realidad Elsa y Elmar no es un dúo, es el nombre del proyecto musical de Elsa Carvajal, una cantante colombiana (1993). Se presenta como Elsa y Elmar por el propio juego de palabras, un juego de nombres que lleva implícito una invitación a descubrir la verdad que se esconde detrás de su voz. Esta colombiana que ha pasado los últimos años estudiando música en Boston y realizando las primeras giras de su carrera, busca la inspiración en su propio interior y en esa naturaleza que se cuela en sus canciones: el viento, la luna, la noche… es por ello que su música es definida como “Pop Espiritual”, cuyos estilos pasan por el Synth Pop, Folk e Indie. Los temas de las canciones varían desde sus miedos y dudas infantiles hasta preguntas existenciales que quizás todxs en algún momento nos hacemos. Su álbum debut, Rey, fue lanzado en 2015 y desde entonces se encuentra de gira por el continente americano, tocando en su natal Colombia y en países como México y Estados Unidos.
Texto extraída del medio online Buena Música | Diseño inspirado en el genial blog sobre música Mi canción de hoy
LETRA
Llevo tiempo queriendo. Queriendo hacerlo, y tiempo pensando porqué no debo. Tiempo sintiendo, yo llevo tiempo sintiendo. Y llevo tiempo planeando cómo decirlo. Y tiempo tratando de resistirlo. Y tiempo queriendo, yo llevo tiempo queriendo. Y llevo tiempo soñándote cada noche, y en la mañana te me escondes. Tiempo durmiendo, pierdo el tiempo durmiendo. Y llevo tiempo queriendo, y llevo tiempo sintiéndome así. Llevo tiempo mirándote en cada esquina, e imaginando que me persigas. Tiempo esperando, ¡El tiempo! Y llevo tiempo perdiendo. El tiempo, tiempo perdiendo. El tiempo, tiempo planeando. El tiempo, tiempo perdido. Y llevo tiempo sintiendo, y llevo tiempo sintiéndome así, así, así, así. El tiempo, tiempo perdiendo.
Alex Ferreira – Me La Saludan
Alex Ferreira – Me La Saludan
Conocí a Alex Ferreira por un video de youtube. Pertenezco a ese grupo de personas que no cantan en la ducha porque por no cantar no sabemos ni entonar el cumpleaños feliz. Cuando me ducho suelo poner playlist aleatorias y juraría que ni siquiera sale algún pequeño amago de interpretar un coro por mi parte, pero en el inconsciente de la ducha cualquiera sabe si en realidad algún vecino podría atestiguar que soy la reina de los gorgoritos. Lo buenos del modo aleatorio es que muchas veces cual magia descubres alguna canción que te encanta mientras estás peleándote con la pastilla de jabón, los nudos del pelo y alguna que otra gota de champú que te entra en el ojo, y es en esos instantes que siempre pienso «¿Cómo youtube sabe que podría gustarme esto? Y pensar eso me da mucho miedo, pensar en todo lo que se sabe de uno mismo almacenado como un archivo de datos en un ordenador me da mucho miedo, pero luego empiezo a darle diecinueve veces a repetir la canción porque me encanta y se me pasa.
ARTISTA
Álex Ferreira nació en República Dominicana en 1983, pero vivió su infancia y adolescencia, entre Nueva York, Miami y Santo Domingo. Empezó tocando la guitarra y escribiendo canciones a los 16 años de edad. Un par de años después empezó a tocar habitualmente por los escenarios y teatros de la Zona Colonial de la ciudad de Santo Domingo compartiendo escenario con grandes músicos de su tierra. En ese época grabó sus primeras maquetas las cuales le dieron rápidamente a conocer gracias a la gran difusión que recibieron por las emisoras especializadas de su país, llegando a los primeros lugares en las listas.
En el 2005 se trasladó a vivir a España. Aquí, formó su propia banda e intentó abrirse camino en la escena musical madrileña. Tras tres Eps con buena acogida en el mercado, en enero de 2010, publicó su primer disco de larga duración, Un domingo cualquiera, que tuvo una gran aceptación, nombrado por Radio 3 como uno de los discos más esperados del año. Después de llevar su música por otros países como México o EEUU, Ferreira publicó finalmente su segundo largo «El Afán» en octubre del 2012, donde experimenta con nuevos ritmos y sonidos. En 2015 publicó su siguiente álbum «Cinema Tropical» y a finales de este año se espera su último álbum que llevará por ´titulo «Canapé». También lidera un grupo que lleva por nombre «Alex Ferreira y el frente caribe» con el que explora ritmos latinos evocando a la música que escuchó durante toda su infancia en la República Dominicana.
Ferreira ha colaborado y compartido escenario con artistas de la talla de Fito Páez, Jorge Drexler, Iván Ferreiro, Russian Red, Mäbu, Lori Meyers, Ximena Sariñana, Natalia Lafourcade, Gaby Moreno, Lisandro Aristimuño o Xoel López entre muchos.
Información extraída de Wikipedia.
LETRA
Se llevó la luz de los espejos, se llevó la calma que tanto anhelo, me dejó el pánico para que cunda, si la ven por ahí me la saludan. La moneda no cayó de nuestro lado, no le guardo odio, lo tengo claro, me dejó sin sazón la carne cruda, si la ven por ahí me la saludan. Va dejando heridas que no se curan, cerrando llave pero dejando fuga. Ve mi corazón rodar por la escalera, nunca hubo amor tampoco moraleja, esa mujer se me clavó en la sien. Ve mi corazón rodar por la escalera, nunca hubo amor tampoco moraleja, esa mujer cuanta insensatez. Dejó un reguero de cabos sueltos, me dejó en la guerra da’o por muerto, se llevó la espada sin la armadura, si la ven por ahí me la saludan. Va dejando heridas que no se curan, cerrando llave pero dejando fuga. Ve mi corazón rodar por la escalera, nunca hubo amor tampoco moraleja, esa mujer se me clavó en la sien. Ve mi corazón rodar por la escalera, nunca hubo amor tampoco moraleja, esa mujer cuanta insensatez.
LAS TARADAS – PEPITO MI CORAZÓN
LAS TARADAS – PEPITO MI CORAZÓN
Conocí a Las Taradas el día que llegué a Buenos Aires. Inés, la chica «meta final» del viaje estaba aprendiendo a tocar el ukelele y por azares del destino su profesora resultó ser una de las componentes de este genial grupo de música. Creo que debía de ser muy buena profesora porque para mi cumple en aquella época me mandó un divertido vídeo tocando sus recién aprendidas notas. Logré identificar la canción y no sonaba nada mal.
Aquel primer día en Buenos Aires mientras estábamos en la cocina le dio al play a esta canción y me dijo «te va a encantar». No falló, creo que hemos vivido tantas locuras juntas que ya falla poco en su vaticines. Ella había visto en directo a las Taradas en varias ocasiones y perjuró que eran geniales y tremendamente divertidas, más allá de que fuera nefástamente objetiva porque ella era su alumna. Recuerdo preguntarle si tenían previsto algún concierto en la ciudad en los diez días que pasé en su casa de Buenos Aires, pero después de buscar descubrimos que no tenían ninguno en esas fechas, «mecachis» pensé.
Dicen que cuando uno va a un sitio siempre hay que dejarse algo sin vivir o ver para volver años más tarde. Yo me quedé sin ver a Las Taradas junto a Inés y creo que puede ser un buen motivo para volver juntas a Buenos Aires cualquier día. Hoy es su cumpleaños y dado que yo no sé tocar el ukelele, y desafino mucho incluso cantando el cumpleaños feliz, mejor desearle un gran día por medio de esta canción. ¡Zorionak Amorcito!
ARTISTA
Las Taradas es un orquesta de chicas argentinas que rememora canciones poco conocidas de los 40s y 50s, conservando su sonoridad original a la que agregan toques propios y contemporáneos. Desde el bolero, el swing y el cha cha cha, pasando por las canciones napolitanas, la cumbia colombiana y las rancheras mexicanas, se apropian del humor presente en la música de aquellos años para armar un repertorio que viaja por diferentes regiones y rescata diversos intérpretes que van desde Johnny Cash, Mina Mazzini y Agustín Lara, hasta Elvis Presley, Los Machucambos, Carmen Miranda o como en este caso Elena Madera, entre otros.
Su historia se remonta a inicios de 2010 cuando Luisa Malatesta (Paula Maffia) y Lucia de Paco (Lucy Patané) decidieron materializar una vieja idea: reunir un grupo de mujeres músicas que pudieran recuperar del olvido melodías de antaño. Uniendo su ukelele, voz y guitarra al contrabajo de Encarnación de los Males (Lu Martinez), al clarinete de Cheetara Rodriguez (Carla Branchini), la voz y trompeta de Mari Carmen Montenegro (Mel Muñiz), el violín de Exaltación de la Cruz (Rosario Baeza) y la percusión de la Tía Nidia López do Pandeiro (Nati Gavazzo), iniciaron un recorrido que las ha llevado a diversos escenarios de Argentina y de Sudamérica.
ORIGEN CANCIÓN
No hay mucha información sobre Elena Madera en internet, ni siquiera tiene una página en Wikipedia, pero de acuerdo con las notas del LP se sabe que nació en La Habana y que su madre era una bailarina profesional cubana y su padre el líder de una banda en el área de Filadelfia. Al parecer Elena llegó a los Estados Unidos a los dos años y comenzó a cantar a los tres años, el resto, como generalmente se dice, no es historia, o al menos no es la historia que alguien ha publicado en Internet para que sea fácil de encontrar. Lo que sí sabemos es que Elena cantó con músicos como Tito Puente y Duke Ellington, que tuvo un éxito internacional con esta canción «Pepito», y, después de escuchar su música, sabemos que era increíble y que suena perfectamente «loca», que es lo que muchas vocalistas femeninas tuvieron que ser para destacarse en la escena frenética del club nocturno en aquellos años. Cantantes como Eloise Lewis, Francis Faye, Josephine Premice, Enid Mosier y Yma Sumac se citan entre ellas. También sabemos que su disco debut probablemente fue lanzado alrededor de 1958 y que «Pepito» es una de las cuatro canciones de rock-tinged con las que debutó y que fue la más famosa de todas. El resto incorporaba elementos afrocubanos y flamencos en diversos grados.También sabemos que Elena Madera no se hizo famosa y que parece haberse desvanecido en la oscuridad porque poco más se sabe. ¿Qué sería de ella?
LETRA
Pepito mi corazon (pepiti, pepito). Pepito de mis amores (pepiti, pepito). Canta me asi (ou-wa) . Canta me asi (ou-wa) . Con amor . Pepito eres mi vida (pepiti, pepito). Mi carino muy querido (pepiti, pepito). Canta comprendido (ou-wa). Nunca comprendido (ou-wa). Porque me intereso en ti. Quiere me (quiere me). Quiere me (quiere me). Besa me, entre tus brazos. Pepito mi corazon (pepiti, pepito). Dame mas de tu carino (pepiti, pepito). Canta me asi (ou-wa). Canta me asi (ou-wa). Con amor. Pepito mi corazon (pepiti, pepito). Pepito de mis amores (pepiti, pepito). Canta me asi (ou-wa). Canta me asi (ou-wa) Con amor. Pepito eres mi vida (pepiti, pepito). Mi carino muy querido (pepiti, pepito). Canta comprendido (ou-wa). Nunca comprendido (ou-wa). Porque me intereso en ti (ou-wa). Quiere me, quiere me. Besa me, entre tus brazos. Pepito mi corazon (pepiti, pepito). Dame mas de tu carino (pepiti, pepito). Y canta me asi (ou-wa). Canta me asi (ou-wa). Con amor
ÁNGEL CANALES – DOS GARDENIAS
ÁNGEL CANALES – DOS GARDENIAS
Cuando estuve viviendo en Costa Rica algunos lunes iba a un pub de salsa con música en directo, me encanta la salsa y aquel lugar era el encuentro semanal para muchos amantes del género, sobre todo bailarines. Así que por cosas del destino muchos lunes acabé allí aun teniendo que madrugar al día siguiente. Recuerdo que fue allí donde por primera vez vi bailar bolero. Yo siempre había escuchado boleros de pequeña, pero nunca me imaginé que se pudieran bailar, no al menos que se pudieran bailar con la elegancia y sensualidad que en aquel lugar lo hacían. Desde entonces cada vez que escucho un bolero mi cuerpo también se contonea, aunque sea disimuladamente y sin mover los pies.
Esta versión de la conocida canción Dos gardenias la descubrí viendo la serie Narcos. Empecé a ver Narcos una noche solitaria en Colombia y desde entonces la he seguido temporada a temporada por el cariño de los acentos y de intentar reconocer lugares. Esta última temporada está ambientada en Cali, y eso para cualquier amante de la salsa es un caramelo para los oídos porque la banda sonora es toda una joya musical. Como anécdota diré que este bolero en la serie protagoniza una de las mejores escenas de la temporada. Ver un bolero bailado con la magia de los sentimientos es poco común, pero ver un bolero bailado con esa tensión y protagonizado por una pareja gay es quizás casi inimaginable.
ORIGEN CANCIÓN
Muchas de las composiciones musicales creadas por la pianista y cantante cubana Isolina Carrillo encontraron gran resonancia, aceptación y se cantaron y cantan por infinidad de voces y lugares del mundo. Pero fue justamente Dos Gardenias la que logró el más sensacional éxito internacional. Según cuentan, Dos Gardenias fue estrenada por el esposo de Isolina Carrillo, el barítono Guillermo Arronte, a quien la autora también le dedicara esta composición. La obra fue registrada en abril de 1948 en la Sociedad de Autores de Cuba y tuvo una amplia repercusión durante una extensa gira realizada por Sudamérica en aquella época. “Dos Gardenias es simplemente un himno al amor. No dice que no te quiero, que te desprecio, ni te maltrato. Dio la casualidad que al público le cayó bien y constituyó todo un éxito”. Así se refirió Isolina Carrillo a su inmortal composición al tratar de explicar las causas de sus tantos años de permanencia en el gusto popular.
Fue el puertorriqueño Daniel Santos el primero que la grabó y popularizó internacionalmente y en esa oportunidad la orquestación estuvo a cargo de Pérez Prado quien le agregó el piano acústico en un trabajo que se considera novedoso y atrevido para la época. Otras figuras internacionales que hicieron suya la inmortal composición de Isolina Carrillo fueron Pedro Vargas, Toña La Negra, Nat King Cole, Vicentico Valdés, Elena Burke, Fernando Álvarez, Roberto Sánchez y Antonio Machín, quien además la situó en los primeros lugares en España.
ARTISTA
Para muchos se trataba de un genio, para otros simplemente de un disparate. Algunos decían que su estilo era irreverente y maravilloso, otros que era una maravilla para desafinar. Lo cierto es que este cantante llegó a reinar en los tiempos de la salsa de los 70 en Nueva York, su nombre: Ángel Canales.
Nació en Santurce, Puerto Rico en 1950, pero a los ocho años su familia emigró a Nueva York. Se lee en las biografía qeu rondan por internet que en la escuela no fue muy bueno con los libros en general, pero siempre se destacó en el taller de máquinas. Así que recomendado por un profesor que lo estimaba mucho se presentó a trabajar en una joyería. Primero ingresó de mensajero, luego aprendió a pulir, tallar y montar diamantes, lo que al fin de cuentas se convirtió en su verdadera profesión de por vida.
A finales de los sesenta fue reclutado para el ejército y a su regreso, encontró que algunos de sus amigos de infancia se habían convertido en músicos. Todos ellos reunidos en una modesta banda liderada por un pianista negro americano que se hacía llamar Markolino (Mark Dimond). Un personaje extravagante, al que le gustaba componer, arreglar y tocar el piano de una manera muy singular y adelantada para los salseros de los setenta. Entre 1970 y 1974 sobreviven tocando el repertorio de un singular LP, en bodas y bailes, hasta que Markolino desaparece del mapa por problemas personales. A raíz de ese suceso Angel Canales apoyado por la mayoría de los músicos vacantes decide arrancar una nueva etapa, donde no sólo aportaría el dinero de su trabajo, sino composiciones y liderazgo. Aparece en el LP de 1975 “Canales y la Orquesta Sabor”, y fue ese año cuando la Radio se alborotó cuando empezó a sonar “Lejos de ti”.
No fueron pocas las críticas negativas que llovieron en torno a éste enigmático cantante que se autofinanciaba y nunca buscó ayuda para promocionar sus discos. Pero esto era sólo el comienzo, Canales impuso un nuevo estilo en las vestimentas salseras, su cabeza rapada, las coreografías y sobre todo su potente orquesta llena de músicos informales a la que le sumó los más excéntricos y agresivos artistas del jazz de la ciudad, libres para improvisar sobre unos mambos complicados que salían de un barítono saxo, una altísima trompeta y dos agrios trombones. Era el sonido Jazzy que sonaba feliz y descomplicado, adelantado a la época. Celosamente vigilado y bloqueado por los más importantes promotores de salsa de la urbe, que veían en Canales un ser demasiado independiente que pagaba a sus músicos los más altos salarios, en 1977 le llega a Canales la oportunidad de descubrir su acogida fuera de las “entrañas del monstruo”. Un empresario le envía un adelanto de cinco mil dólares, ticket aéreo y hospedaje en el Hilton de Panamá para que se presente por primera vez en Latinoamérica con toda la banda. El éxito fue rotundo, de ahí el homenaje de Angel Canales a su “Panamá Soberana”.Las otras tres únicas salidas de Canales al exterior fueron a Caracas, Cali (Colombia) y otra en Lima (Perú) en los 90.
Entre 1975 y 1987 Canales grabó 9 discos de larga duración. Ha sido uno de los pocos vocalistas que se ha dado el lujo de presentarse sin promotores e itinerarios. Un lujo que le otorgó su verdadera profesión de tallador de diamantes. Poco se sabe de la suerte actual de Ángel Canales, pero se rumorea que su distancia de los escenarios se debe en parte a la enfermedad del parkinson.
LETRA
Dos gardenias para ti, con ellas quiero decir te quiero, mi vida, cariño. Ponle toda tu atención, que serán tu corazón y el mio. Dos gardenias para ti que tendrán todo el calor de un beso, de esos besos que te di y que jamas encontrarás en el calor de otro querer. A tu lado vivirán y te hablarán, como cuando tú estás conmigo, y hasta creerás que te dirán «mami te quiero». Pero si un atardecer las gardenias de mi amor se mueren, será porque han adivinado que tu amor me ha atraicionado porque existe otro querer. Pero si un atardecer las gardenias de mi amor se mueren, será porque han adivinado que tu amor me ha atraicionado porque existe otro querer. Porque existe otro querer. Porque existe otro querer.
NATALIA LAFOURCADE & GUSTAVO GUERRERO – TONADA DE LUNA LLENA
NATALIA LAFOURCADE & GUSTAVO GUERRERO – TONADA DE LUNA LLENA
Descubrí la canción por casualidad, rebuscando por internet alguna tarde en que rebuscar hace que pasen las horas. Me gustan muchas canciones de Natalia Lafourcade, sobre todo versiones de canciones que escuché de pequeña y que de su voz vuelven a estar en el candelero. Tenía varias apuntadas en mi cuadernillo desastre en el que anoto ideas y canciones que escribir por aquí, pero esta versión adelantó puestos, quizás por lo sencilla, por su origen, por el significado de la letra y por esa magia del vídeo de hacerte sentir que al escucharla estas en esa pequeña habitación.
ORIGEN CANCIÓN
En Venezuela las tonadas se identifican como cantos de trabajo que nacieron para acompañar las faenas y tareas del campo desde la madrugada, viendo el alba, hasta mucho después del ocaso. Los cantos permitían crear un vínculo con los animales, en especial con el caballo, a quien cantaban las penas, amores y alegrías. Las tonadas intercambian gritos y lamentos de acuerdo con la necesidad de la labor, según se tratara del ordeño, del arreo, la labranza…, variando así las escalas musicales entre sí, de acuerdo con la tarea y el tipo de música regional. Así, un canto para recoger café diferiría mucho de un canto para el arreo.
El cantautor y músico venezolano ya fallecido Simón Díaz fue el máximo exponente de este género, que rescató y dio a conocer durante su carrera discográfica. A mediados de la década de los años cincuenta, Simón Díaz se entera del peligro que corría el género de la tonada de desaparecer por la mecanización de la extracción de la leche para cubrir el déficit de producción de ese tiempo y con ella iba a desaparecer el oficio de los ordeñadores, quienes se valían de este tipo de música para ejecutar su labor. Por ello, Díaz se encargó de recopilar y componer tonadas, incorporándolas a su repertorio, cosa que también hicieron otros exponentes de la música de los llanos venezolanos.
Una de sus más conocidas es la Tonada de Luna Llena que fue versionada e incluida como parte de la banda sonora de la película La flor de mi secreto, dirigida por Pedro Almodóvar en 1995. Muchos músicos han creado su propia versión de esta canción. Alguien que la interpreta de una forma innovadora, rescatando la cultura venezolana, es la joven cantante mexicana Natalia Lafourcade junto con el músico Gustavo Guerrero. Por medio de voces suaves y dulces instrumentos de cuerda hacen que uno al darle al play se imagine en la orilla del río en un combate constante entre el día y la noche.
ARTISTA
Maria Natalia Lafourcade Silva, mejor conocida en el medio artístico como Natalia Lafourcade, es una cantante, compositora y actriz mexicana que nació el 26 de febrero del año 1984, en México. Rodeada de música y criada en un fuerte núcleo artístico familia demostró aptitudes artísticas desde pequeña, lo cual la motivó a componer sus propias canciones, después de buscar su identidad en el dibujo, el baile, las maquetas, la actuación, los títeres o las obras de teatro.
Fue en en el año 2000, cuando tenia tan solo con 17 años, que decidió grabar un disco como solista,del que se desprendió el primer sencillo Busco un problema, tema que obtuvo fama al lado de La Forquetina, Así surge, en 2005, su banda La Forquetina junto a Ximena Sariñana, Juan Manuel Torreblanca y Alonso Cortés, con quien grabó el álbum Casa que obtuvo gran éxito, pero después de una gira por México y Estados Unidos, Natalia y La Forquetina anunciaron su separación para trabajar en proyectos diferentes.
Por su parte, Natalia Lafourcade se trasladó a Canadá para aprender inglés y comenzar una búsqueda interna, personal y artística. Ahí conoció a la banda People Project, con quienes aún colabora frecuentemente. Hasta la fecha ha publicado seis álbumes musicales.Su trabajo ha sido fuertemente reconocido identificándola como una artista con fuerte personalidad, con un poder de convocatoria incuestionable. El público agradece su sencillez y la belleza de su interpretación hasta en los lugares más insospechados. Natalia es reconocida mundialmente por unir generaciones, por hacer una inigualable fusión entre la música tradicional y la contemporánea. Siendo una fuerte representante de la escena musical en México.
Gustavo Guerrero es un guitarrista venezolano. Tras su paso por varios grupos y proyectos de alta factura en Caracas y de conducir su propia banda Cunaguaro Soul, desde hace unos años colabora como director de la banda que acompaña a Natalia Lafourcade.
Texto extraído de Wikipedia
LETRA
Yo vide una garza mora dándole combate a un rio. Así es como se enamora tú corazón con el mio. Luna, luna llena, menguante. Luna, luna llena, menguante… Anda muchacho a la casa y me trae la carabina pa’ mata este gavilán que no me deja gallina. La luna me está mirando yo no sé lo que me ve, yo tengo la ropa limpia ayer tarde la lavé. Luna, luna, luna, llena menguante. Luna, luna, luna, llena menguante…
Rosalía
Rosalía
Cuando vivía en Bilbao fui a ver un espectáculo de baile flamenco en uno de los teatros de la ciudad, actuaba Farruquito. Fui porque varias compañeras de clase, todas ellas de Latinoamérica, querían ir a ver un espectáculo de flamenco antes de acabar el curso y volver a casa. Aquello se presentó como una oportunidad perfecta. La paradoja es que yo fui por acompañar, y porque me suele gustar todo lo que que tiene que ver con creatividad, pero sobretodo pagué aquella entrada por acompañar. Para sorpresa de todo aquel o aquella que siempre oiga la palabra Farruquito y lo enlace a su vida privada, debe saber que el espectáculo nos gustó mucho.
Viajando alguna que otra vez me han preguntado por el Flamenco. Eso debería llevar consigo alguna muestra de canciones, cantantes, o algún vídeo de baile por mi parte; algo con lo que poder identificar y permitir adentrarse a descubrir qué es a la otra persona. Y yo, que no sé apenas nada, siempre me limitaba a poner Entre dos aguas de Paco de Lucía. No digo que por ser española tenga que ser una experta en Flamenco, mucho menos yo que tengo un oído oficialmente pésimo para ser experta en ningún tipo de música en general, pero en esos momentos sentía anhelos de conocimiento. Deseos de saber identificar y poder explicar conceptos que resuenan en mi cabeza como Bulería, Fandango, Soleá o un largo etcétera de términos y variantes, que en realidad desconozco por completo y que no sabría identificar y tampoco por tanto tampoco apreciar.
De Rosalía dicen que es el nuevo Flamenco Hipster. Quizás su voz, tan propia, tan de antaño y tan de ahora al mismo tiempo, sea un buen acercamiento para adentrarse un poco en el flamenco y apreciarlo un poco más.
ARTISTA
Durante un tiempo se dice que fue un misterio: se hablaba de una chiquilla de Barcelona, sin padrinos ni antecedentes familiares en la cosa del cante, que se subía a los tablaos y cantaba flamenco como los ángeles.
Los ángeles, es el título del debut discográfico en el que trabaja esta artista de 23 años de nombre Rosalía junto a Raül Fernández “Refree” a la guitarra, y uno de los productores más importantes del panorama que ha trabajado con Silvia Pérez Cruz, Las Migas, Rocío Márquez o Christina Rosenvinge.
Con la muerte como temática central del álbum ambos artistas, partiendo del flamenco, han trazado nuevos caminos fusionando la novedad y la experimentación para volver a lo antiguo, a lo primario del flamenco según catalogan los expertos en la música. Dicen quien la han entrevistado que nada más escucharla hablar uno se da cuenta de lo peculiar que resulta su voz, de lo singular de su acento y de su impetuosa forma de expresarse entre gestos.
Rosalía se dio a conocer más popularmente por sus colaboraciones con La Fura dels Baus o el pasado verano junto al rapero C. Tangana, pero más allá de sus diversos estilos musicales muchos han destacado su faceta de cantaora bajo su origen catalán. Hecho que a ella, según muestra en entrevistas, le resulta tan gracioso como turbador que, a día de hoy, se siga mirando el arte como una cuestión territorial, más que personal. «El flamenco, al final, no es una cuestión racial, sino una música que tiene una carga emocional tan grande que conecta con gente de cualquier parte del mundo».
Texto extraída de El Diario.es / Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy
ORIGEN CANCIÓN
En esta canción, Si tu supieras compañero canta fragmentos de Del mundo leguas y leguas (de La niña de los Peines), Toma este puñal dorao (de Rosario Monge la Mejorana), Que pases por mi pena (de Antonio Sellés) y La chiquita piconera (de Rafael de León). Todas ellas Alegrías que mantienen su esencia pero que se visto transformadas en algo diferente, tanto por la guitarra de Raül Refree como por la voz de Rosalía.
Fuente: RTVE
LETRA
Toma este puñal dorao , y ponte tu en las cuatro esquinas y dame tus puñaladas. Y no digas que me olvidas, que con el aire que tu llevas, que cuando vas a caminar hasta el faro de la cola que me lo vas a apagar. El mundo leguas y leguas, aunque mi cuerpo ha corrido. El mundo leguas y leguas, como aquí me deja el alma, que aquí he venido por ella. Aunque mi cuerpo ha corrido, el mundo leguas y leguas. Toma este puñal dorado y ponte tú en las cuatro esquinas y dame tus puñaladas. Y no digas que me olvidas, que con el aire que tu llevas, que cuando vas a caminar, hasta el faro de la cola ¡Ayy que me lo vas a apagar! Porque sale te ofende, si yo supiera compañero, que el sol que sale te ofende, con eso me peleara que aunque me dieran la muerte. Con eso me peleara, que ya aunque me dieran la muerte. Madre, tiene la reina de mis entrañas dos abanicos negros, que por pestañas. Que por pestaña niña, que por pestañas, no hay niña que las tenga por toda la España. Y te voy pintando y pintando al ladico del brasero, y a la vez me voy quemando por lo mucho que te quiero. ¡Válgame San Rafael!, tener el agua tan cerca y no poderla beber.
Monsieur Perine- Sabor a mi
Monsieur Perine- Sabor a mi
Una de esas pequeñas escenas mágicas que vivo siempre con cariño, aún ahora y ya mayor, es la de levantarme en casa de mis abuelos cuando voy a visitarles y sin más indumentaria que el pijama y las legañas, justo al sacar los pies de la cama, ir al salón y encender el equipo de música mientras se va poniendo la gran mesa para desayunar todos juntos.
Mis abuelos han ido acaparando casi por obra de magia, de regalo navideño en regalo navideño, varios cd´s recopilatorios de grandes artistas de su época dentro de la música popular en castellano. Y mi abuelo, que es un romántico empedernido, siempre tiene devoción por darle al Play a los de Machín, Valderrama, Farina,.. mientras pone y quita los platos al suave compás de sus años y sus caderas. Tararea y canta las letras haciendo especial interés en mirar a mi abuela cuando llega a los estribillos.
No es de extrañar por tanto que, pese a ser un desastre de conocimientos en todo lo que tiene que ver con grupos indies, rock, pop y demás géneros musicales, cuando llegué a Latinoamérica, para sorpresa de mi misma y de las personas que me rodeaban, me sabía a pies juntillas muchísimas rancheras y canciones populares antiguas que sonaban en bares, autobuses o portones de casas.
Entre esos cd´s de mis abuelos hay uno de Los Panchos y está canción no podía faltar.
ARTISTA
Monsieur Periné es un grupo de música colombiano. Su propuesta involucra géneros como el jazz, el pop y el swing.
La voz del grupo la pone Catalina García; Nicolás Junca se encarga de la guitarra; Santiago Prieto toca el charango, el violín y la guitarra; Adinda Meertins es el contrabajo; Jairo Alfonso se encarga de los vientos (Saxofón, Clarinete); Abstin Caviedes (Trombón/ Bugle); Miguel Guerra es el percusionista y finalmente Darwin Páez interpreta la batería.
Iniciaron sus andanzas como «banda de bodas» en Colombia, actividad que eventualmente siguen retomando como fuente de ingresos según explicó a EFE el guitarrista del grupo, Nicolás Junca. «Hecho a mano» (2012) fue el primer trabajo de Monsieur Periné pero fue su segundo disco el que supuso su despegue con canciones como «Tu m’as promis», en la que dejaron patente su vena francófila, y «Nuestra canción», junto al artista dominicano Vicente García.
Desde sus inicios, el grupo ha destacado por elaborar una mezcla de estilos que van desde el jazz gitano a la música francesa de los años 20, todo aderezado con una gran influencia de los sonidos latinoamericanos con los que crecieron, rasgo que les ha otorgado una identidad propia. La propuesta, según describen, era tratar de integrar multitud de culturas «sin salir de la misma canción», integrar el viajar como el «leitmotiv» de su música, ya que la experimentación y la investigación forman parte de su proceso creativo.
Tras conseguir ganar el respeto con el Grammy Latino a Mejor Artista Nuevo que recibieron en 2015 con su disco «Caja de música» (2015), el grupo espera repetir la misma repercusión con su tercera producción, la cual esperan poder publicar en la segunda mitad de este año 2017.
Texto extraída de la agencia EFE y Wikipedia / Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy
ORIGEN CANCIÓN
«Sabor a mí» es un bolero de 1959 del compositor y cantante mexicano Álvaro Carrillo (1921 – 1969). Fue popularizado internacionalmente por Los Panchos e interpretardo en infinidad de idiomas. Es considerado el mayor éxito nacional e internacional de Álvaro Carrillo, cuyo repertorio de composiciones es de alrededor de 300 canciones.
Mario Carrillo, hijo del compositor, dió a conocer la historia del tema «Sabor a mi», gracias al recuerdo de su tía Guadalupe Incháustegui Guzmán, hermana de su madre, quien narraba así:
“Fue en diciembre de ese año, 1957, cuando en la cena de Navidad, ya estando comprometidos, mi padre tomaba whisky y entre trago y trago le depositaba un beso a mi mamá. Mi madre, como casi toda mujer, le empezó a reclamar que estaba tomando mucho, sugiriendo que dejara de hacerlo. Pero mi padre hacía “mutis” para servirse otro whisky y así, sorbo tras sorbo y beso tras beso, los reclamos se hicieron rutina. En una de esas, cuenta mi tía, que mi mamá le dijo a Álvaro Carrillo que de tanto beso ya la estaba emborrachando, que ella sin tomar nada ya tenía en la boca el sabor a whisky. Mi padre, tras una breve pausa, reviró y le dijo: “lo que tienes en la boca no es sabor a whisky es… sabor a mí”. Ambos, cómplices de la poesía, entendieron en ese momento que la frase suscitada de ese reclamo era una sentencia poética que debería convertirse en canción. Mi madre la anotó como tarea para mi padre y, rompiendo su sobriedad, tomó un trago del vaso de mi papá y brindaron por el que sería, probablemente, el éxito más grande que Álvaro Carrillo haya compuesto”.
LETRA
Tanto tiempo disfrutamos de este amor. Nuestras almas se acercaron tanto así, que yo guardo tu sabor, pero tú llevas también, sabor a mí. | Si negaras mi presencia en tu vivir bastaría con abrazarme y conversar, tanta vida yo te dí que por fuerza llevas ya sabor a mí. | No pretendo ser tu dueño, no soy nada yo no tengo vanidad, de mi vida doy lo bueno soy tan pobre que otra cosa puedo dar. | Pasarán más de mil años muchos más. Puedo hacer que tenga amor la inmensidad, pero allá tal como aquí en la boca llevarás sabor a mí.| No pretendo ser tu dueño, no soy nada yo no tengo vanidad, de mi vida doy lo bueno soy tan pobre que otra cosa puedo dar. | Pasarán más de mil años muchos más. Puedo hacer que tenga amor la inmensidad, pero allá tal como aquí en la boca llevarás sabor a mí.| Sabor a mi. Sabor a mi. Sabor a mi. Sabor a mi.
Devendra Banhart – Quédate Luna
Devendra Banhart – Quédate Luna
Escuché a Devendra Banhart por pura casualidad en una lista musical aleatoria de un programa de ordenador. Desde entonces le sigo escuchando muchas mañanas nada mas darle Play a la rutina. No sabría ponerme académica en relación a su música, no sé porqué muchas de sus canciones me sacan la sonrisa del inconsciente, tiene algo que consigue alegrar los días en los que es peligroso darle a la playlist «Melancolicamente Melancolía» pese a que sea lo único que te pida el cuerpo. Quizás sea porque muchas de sus letras no las entiendo, y eso a veces es sano.
Como artista es todo un personaje. Tiene ese instinto de probar mil disciplinas, de explorar y experimentar no solo con sonidos, si no con el arte en todo su concepto. Leí en una entrevista que para él sus discos eran de grabar y tirar. Que al terminarlos no se sentía la misma persona y los miraba de otra manera, y eso, a su vez, le hacía feliz porque le estimula a seguir grabando otros discos. Confesaba que siempre iba a preferir ver el dibujo o escuchar la canción de otra persona, antes que la suya. Ese impulso, ese desapego con lo hecho pero con la curiosidad por lo futuro, esa autocrítica de que sus cosas son solo algo más, es quizás lo que lo ha llevado a moverse de ritmos e intenciones, de estar en constante creación, de pasar por variedad de estilos e influencias. Y eso quizás es lo que me atrae de su música, que está hecha sin pretensiones más allá de las momentáneas, y muchas de sus canciones tiene ese aire experimental que solo el riesgo por probar crean.
ARTISTA
Devendra Banhart es un compositor y cantante de música «altamente difícil de catalogar» puesto que lo sitúan en estilos que pasan de fusiones a reducciones de Folk, Bluegrass, Rock psicodélico, Latina, LO-FI, y la llamada reactualización Trovadoresca. La wikipedia define su música como simples melodías de guitarra con un acompañamiento mínimo de otros instrumentos como parte de su sello de identidad. Sus letras son generalmente surrealistas y naturalistas y existen en su lírica un sinnúmero de referencias hacia escenas bucólicas, mantras y escenas populares. Todas depuradas por una ambigüedad, que va de la ingenuidad neohippie a la ironía postmoderna en la que se le sitúa.
Devendra nació en Houston (Texas) en 1981 pero su infancia la pasó en Venezuela, país de origen de su madre. Allí conoció la cultura, el idioma y nuevos estilos musicales; un sin fín de influencias con tintes latinoamericanos de los que da muestra a través de su música poco clasificable.
A los 14 años se mudó a Los Ángeles con su familia y a los 19 años, decepcionado de sus obligaciones académicas y las restricciones del medio artístico, abandonó la escuela de arte, cogió las maletas y se fue a tocar a las calles de París. Tocó en bares de mala muerte, se sometió a la soledad, fue vapuleado por la realidad y hasta estuvo al borde de quedarse sin donde dormir; un cóctel que lo puso al borde de la renuncia. Quien lo detuvo fue Vashti Bunyan, cantautora británica de folk que dejó su carrera en los ‘60 para vivir como una hippie, cuyas canciones le hacían sentir protegido. Por eso conversó con ella luego de un primer contacto epistolar que incluyó dos canciones, y ella lo impulsó con un “sigue adelante”.
Sus primeras grabaciones fueron hechas en un equipo grabador de cuatro pistas (four-tracks) y un contestador telefónico. En otoño del mismo año volvió a Estados Unidos comenzando su deambular artístico. Fue en esa época que se embarcó en su primera grabación, The Charles C. Leary, que comenzó a vender a un dólar en sus shows en directo. Uno de los compradores fue Siobhan Duffy, esposa de Michael Gira, músico y dueño de la disquera Young God Records, quien sentó las bases para su primer contrato discográfico con el que publicó sus primeros discos Oh Me Oh My, The Black Babies, Rejoicing in the Hands, Niño Rojo y Cripple Crow; de menos a más, de la solitaria guitarra a la banda completa, del trabajo doméstico y rudimentario al de estudio que consiguió meterlo en las listas Billboard y darle proyección internacional. De ahí hasta nuestros días.
Entre las curiosidades de este artista, más allá de su propia música, destacan desde su nombre Devendra, que encuentra su origen en la mitología hindú que significa Indra, el dios del cielo, relámpago, trueno y lluvia. Como su segundo nombre Obie, como Wan Kenobi, el maestro jedi espectral que sus padres vieron en el cine cuando se estrenó La guerra de las Galaxias:El Imperio Contraataca apenas 13 días antes de que él naciera el 30 de mayo de 1981. Lleva tatuada la saga de George Lucas en sí mismo.
Entre otras muchas curiosidades se citan su particular necesidad inicial de que no podía terminar una canción si no la dibujaba. Su necesidad de darle una forma al sonido se combinaba con el deseo de dejar huella, que su música no fuera algo solo para consumir. Nunca ha dejado de pintar, y sus trabajos pictóricos —siempre entre lo naif, lo surrealista y la psicodelia— no solo identifican sus discos y llenan libros, sino que también han sido expuestos en museos como el SFMoMA, en la feria de arte contemporáneo Art Basel, en ARCO, e incluso junto a Yoko Ono en “Water Piece”.
Texto extraída del medio online cultural cultural El estímulo y Wikipedia | Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy.
LETRA
Yo no he tomado, pero me voy a tomar un traguito ahora. Y sé que lo que más espero, lo más que se me enamora. Tres, siete, diez , ya no me ves, pero se aleja. Digo tu nombre, ya saberás quien es. Soy el perro a tus pies, que te muerde la costilla. Las estrellas brillan y la luna se sienta en su silla. ¿Qué tomas lunita y por qué estás tan amarilla? Bueno, ya estoy cansada y mis hijas ya me dicen viejita. El pelo está seco y mi piel ya no brilla, pero el mundo es tuyo, esta noche eres mía. Así qué, quédate, quédate luna. Quédate, quédate luna. Quédate, quédate luna. Quédate, quédate luna. Mira a Dios en el aire, mira a Dios en el mar. Yo te doy toda mi vida para oírte cantar. Oye a Dios en el viento, prueba a Dios en la miel. Dios vive afuera y adentro también. Dímelo, dímelo Luna. Dímelo, dímelo Luna. Dímelo, dímelo Luna. Dímelo, dímelo Luna. Dímelo, dímelo Luna. Dímelo, dímelo Luna. Dímelo, dímelo Luna. Dímelo, dímelo Luna. Yo no he tomado, pero me voy a tomar un traguito ahora. Y sé que lo que más espero, lo más que se me enamora.
CHICHA LIBRE – SONIDO AMAZÓNICO
CHICHA LIBRE – SONIDO AMAZÓNICO
Creo recordar que conocí el sonido del grupo Chicha Libre saliendo de uno de los auriculares compartidos de Pelo Zanahoria durante un largo viaje en autobús por tierras mexicanas. Aunque parezca increible, soy tan sumamente desastre que nunca fui capaz de invertir cinco minutos en meter música en el móvil para amenizar alguna de las taaantas horas de bus que pasé a lo largo de los casi siete meses de aventura recorriendo Latinoamérica por tierra. Nunca llevaba música, ni tampoco ningún podcast para aprender idiomas que hubiera sido algo bastante práctico. Tampoco viajé con ningún dispositivo electrónico para ver películas o series, y para sumun tampoco fui capaz de invertir todas esas horas en escribir o leer nada porque me mareaba cual niñx de excursión nada más girar el cuello. Así que cuando subía en un bus, ya fuera para una hora o para diecisiete, me sentaba en mi asiento y me ponía a mirar por la ventanilla cual pajarillo que entra en coma y se limita a ver pasar la vida sin poder intervenir.
En realidad nunca eché mucho de menos la música. A veces me acribillaba a mi misma con suspiros por no llevarla, pero en esencia disfrutaba con esas horas para divargar en mi cabeza. Me gustaba ese silencio en mis oidos combinado con el sonido de la cotidianidad de aquellos autobuses. Cada lugar tenía su cotidianidad, y a veces la cotidianidad sin cascos tiene sonidos muy divertidos. Escuchas conversaciones, música autóctona salir de la emisora del conductor, llantos de bebes, suspiros de alguna que otra vida, o los simples ronquidos de alguien que, al igual que tú, tampoco es de escuchar música pero en su caso prefiere invertir todas esas largas horas en dormir.
Fue en uno de esos largos trayectos, esta vez acompañada de Pelo Zanahoria, que al verme sin música me compartió uno de sus auriculares para amenizarme con su repertorio el trayecto de aquella tarde. Pelo Zanahoria no habla español, solo sabe decir algunas palabras o frases (algunas de mi propia enseñanza como «puto mosquito de los cojones»); pero pese a no dominar el idioma adora analizar la música latina desde un punto de vista instrumental. Es así que aveces, mucho después de volver a casa, me ha mandado canciones bajo el título «¡Mira qué canción!. No sé muy bien que dice la letra, pero la música es increíble».
Esta canción precisamente no tiene letra, y por eso quizás a Pelo Zanahoria le gustaba tanto.
ARTISTA
Chicha libre, pese a lo que su sonido amazónico pueda sugerir, es en realidad una banda originaria de Brooklyn. Integrada por músicoxs de Francia, Estados Unidos, Venezuela y México.
Detrás de esta curiosa fusión de nacionalidades y ritmos se encuentra el melómano Olivier Conan (47), quien durante un viaje de vacaciones a Perú en 2005, el músico franco-neoyorquino (creció en París, pero vive en Estados Unidos desde 1984) se dedicó a cazar viejos discos de música criolla. Por ese entonces Conan repartía su tiempo musical entre Bébé Eiffel (una banda de rock en francés) y Las Rubias del Norte (un grupo de versiones atemporales de canciones latinoamericanas), y su tiempo de empresario entre el bar Barbès de Brooklyn (del cual es copropietario junto a Vincent Douglas, también de Bébé Eiffel y de Chicha Libre) y el sello Barbès, creado para editar a los grupos que se presentaban en la pequeña sala del fondo del bar y cuyo catálogo constaba por entonces de un par de discos.
Pero todo estaba por cambiar. En Perú descubrió un sonido nuevo en las radios portátiles de los vendedores callejeros y los discos de Juaneco y su Combo y Los Mirlos que le mostraban los coleccionistas. Era chicha, la variante de la cCumbia creada a finales de los sesenta en el Amazonas peruano, combinando el género afrocolombiano con rock, guitarras surf, psicodelia y melodías andinas. Un mundo perdido de discos por descubrir.
De vuelta en Brooklyn con su tesoro de discos, Conan inició el largo camino de lanzar una compilación de chicha a través de su sello (esa música nunca había sido editada fuera de Perú y muchos de los sellos originales ya no existían). También le mostró los discos a su socio musical y financiero. Ambos coincidieron en que tenían que tratar de reproducir esos extraños sonidos cuanto antes.
Chicha Libre comenzó como algo informal: amigos músicos que se juntaban a aprender un estilo creado a 5.000 kilómetros de ahí. Pero un par de años después, para cuando Conan había completado la casi imposible tarea de conseguir a distancia los permisos para publicar las 17 canciones de The Roots of Chicha, Chicha Libre ya era una banda real, y estaba lista para grabar su primer disco.
El impacto de The Roots of Chicha, publicado en septiembre de 2007, sorprendió a todos, pero a nadie más que al propio Conan. Por el solo hecho de que la compilación hubiese sido publicada en Nueva York y recibido buenas críticas, los viejos músicos de chicha pasaron de la noche a la mañana a ser mirados con otros ojos: de exponentes de un género asociado a las clases bajas a embajadores de lo moderno.
“Cuando vamos a Bogotá o Buenos Aires, no nos tratan como gringos”, señala Conan en una mesa de su bar. “Nos tratan como una de las nuevas bandas de cumbia. Los únicos que nos tratan como gringos son los críticos británicos. ¡Que se jodan! Ya sabes, ese tipo de gente que piensa que somos demasiado blancos para tocar cumbia”, agrega, mientras el otro líder creativo de la banda, el tecladista Joshua Camp, asiente con una sonrisa. (Chicha Libre, que también integran el guitarrista Vincent Douglas, el bajista Nick Cudahy y los percusionistas Karina Colis y Neil Ochoa es, de hecho, mucho más que una “banda de gringos”: como hace notar uno de sus comunicados de prensa, el que conste de dos franceses, dos estadounidenses, una mexicana y un venezolano decididos a tocar cumbia parece más bien el inicio de un chiste que una historia de colonización musical).
Texto extraída del medio online cultural Quépasa y RollingStone / Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy
Silvia Pérez Cruz – Cucurrucucú Paloma
Silvia Pérez Cruz – Cucurrucucú Paloma
Escuché está canción por primera vez en la banda sonora de una película. En esa versión le daba voz Caetano Veloso. De eso hace ya muchos años, y desde aquella tarde que logré descargarla después de mucho investigar para encontrarla, siempre ha estado custodiada en una de mis más preciadas carpetas del ordenador, ¡me encanta esta canción! Existen multitud de versiones, y siendo una canción mexicana quizás lo más apropiado hubiera sido poneros una en la voz de algún o de alguna cantante de allí. Pero siendo justa, diré que tengo predilección personal por el Cucurrucucú suave de la voz de Silvia Pérez Cruz, así que para que sirva de presentación, porque es mucho menos conocida, e aquí mi Cucucurrucú favorito. Espero que os guste.
ARTISTA
Sílvia Pérez Cruz (Palafrugell, Girona, 1983) es una joven cantante catalana que, según en qué fase de su carrera se la descubra, aparecerá como una virtuosa del flamenco, del jazz, del fado, de la música popular o de la música clásica. Si se la comenzó escuchando con el grupo musical flamenco Las Migas, seguro que se piensa que Sílvia Perez Cruz es cantaora. Quizás en algún momento, y cambiando de registro, se creyó que Silvia tenía raíces portuguesas, pero si se topó con ella por primera en la película Cerca de tu casa, posiblemente sorprenda saber que Silvia Pérez Cruz no es actriz. Una artista polifacética donde las haya.
Texto extraída del medio online cultural cultural Jot Down y Adinata / Diseño inspirado en el blog músical Mi canción de hoy
ORIGEN CANCIÓN
Cucurrucucú Paloma es una de las canciones más bellas y emblemáticas de México. Escrita en 1954 por el Maestro Tomás Méndez, esta canción ha sido un éxito no sólo para l@s mexicanos, sino para el resto del mundo, al grado tal que ha sido interpretada por grandes cantantes del mundo entero y en diferentes idiomas. Cucurrucucú Paloma es una canción hermosa, melancólica y apasionada que llega a desgarrar con la voz. En ella se habla de la tristeza que sufre una persona por la pérdida de su ser amado; de la pérdida amorosa que sufrió un hombre hasta la muerte… y hasta después de ella. «Cuentan que esa paloma, no es otra cosa mas que su alma», dice la leyenda que hace referencia a que el hombre, después de su muerte, regresa desesperado a casa convertido en paloma para seguir esperando a la amada que lo dejó. Y cuando menciona «las piedras jamás, paloma, qué van a saber de amores», se interpreta que se refiere a su amada, al objeto de su amor que la asemeja a una piedra ya que ella nunca le correspondió al amor que él le tenía. Es interesante ver como, aún cuando habla de la tristeza, sigue cantándole al amor. Esto refleja una gran característica de la cultura mexicana. Cucurrucucú Paloma se ha convertido en una canción clásica mexicana.
LETRA
Dicen que por las noches no mas se le iba en puro llorar. Dicen que no comía no mas se le iba en puro tomar. Juran que el mismo cielo se estremecía al oír su llanto. Tanto, tanto sufrió por ella, que hasta en la muerte la fue llamando. Dicen, dicen que por las noches no mas se le iba en puro llorar, y dicen que no comía no mas se le iba en puro tomar. Juran que el mismo cielo se estremecía al oír su llanto. Tanto, tanto sufrió por ella, que hasta en la muerte la fue llamando: Ay, ay, ay, ay, cantaba. Ay, ay, ay, ay, gemía, Ay, ay, ay, ay, paloma. De pasión mortal moría. Que una paloma blanca muy de mañana le va a cantar, y a su casita sola con las puertitas de par en par. Juran que esa paloma no es otra cosa mas que su alma, que todavía la espera a que regrese la desdichada. Que una paloma blanca muy de mañana le va a cantar, y a su la casita sola con las puertitas de par en par. Juran que esa paloma no es otra cosa mas que su alma, que todavía la espera a que regrese la desdichada. Cucurrucucú, paloma. Cucurrucucú, no llores. Las piedras jamás, paloma; qué van a saber de amores. Ay, ay, ay, ay, cantaba. De pasión mortal moría, moría. Ay, ay, ay, ay,
Kanaku y El Tigre – Bicicletas
Kanaku y El Tigre – Bicicletas
Kanaku y el Tigre son un grupo musical de Perú, pero yo los escuché por primera vez saliendo del sonido de un móvil mientras fregábamos los tazones del desayuno una mañana en la casa de una buena amiga en Quito, Ecuador. Desde entonces se convirtieron en la banda sonora de muchas horas de viaje; ahora siguen sonando en la ducha.
ARTISTA
La historia de la banda peruana Kanaku y El Tigre se remonta a la época de colegio de dos de sus integrantes Bruno Bellatín (Kanaku) y Nicolás Saba (El Tigre). Después de un tiempo distanciados se volvieron a unir con más madurez para crear este proyecto que nació como un dúo y que terminó creciendo a una banda conformada, aparte de los ya mencionados, por Marcial Rey, Manuel Loli, David Chang, Fernando González y Noel Marambio.
Tomando como punto inicial para sus creaciones musicales el folk en su forma más acústica, también se torna experimental, psicodélica e imposible de clasificar si se ahonda en cada una de sus canciones. Entre las particularidades de la banda destaca el incluir percusiones de cualquier cosa que haga ruido (botellas, mesas, serruchos, juguetes, entre otros singulares) al igual que rasaltan en las letras las historias personales que mencionan lugares del Perú.
Desde su inicios, en el 2010, Kanaku y El Tigre poseen dos discos; el disco debut se tituló Caracoles (2010, Ombligo) y es de éste del que se extrae esta canción “Bicicleta“. El segundo disco se lanzó el año pasado y lleva por título Quema, Quema, Quema (2015, Tiger’s Mil). En este último, más eléctrico que el anterior, trae colaboraciones de la actriz española Leonor Watling (Marlango) y también de los músicos peruanos Pamela Rodríguez y Sergio Saba (Cecimonster Vs. Donka).
Texto extraída del medio online cultural Indiehoy | Diseño inspirado en el genial blog sobre música Mi canción de hoy
LETRA
Viene bien, a la luz de tu alcance; viene bien, a la luz del romance. Y vamos mamita a caminar muy bien, al compás de tu bicicleta. Viene bien un jueves por la tarde; viene bien, cuando nadie te mira respirar. Y vamos mamita a caminar muy bien, al compás de tu bicicleta. Ayer yo te fui a buscar, entre Paseo Colon y la Virgen del Pilar, ¡qué bonito! Ayer yo te pude destapar de tu tristeza; viene bien, viene bien, viente bien, viene… Y vamos mamita a caminar muy bien, al compás de tu bicicleta. Y vamos mamita a caminar muy bien, al compás de tu bicicleta.